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El gran dilema para los mayores acólitos del séptimo arte: ¿Cuál es la mejor película de la historia del cine? Una pregunta que, probablemente, ni se dirima en términos absolutos ni se despache con una única opción, pero que, para goce y exaltación de todos, germina en multitud de debates. Desde 1952, hay un grupo de personas que se encargan de poner fin –bueno, más o menos– a estos desacuerdos: los 1.639 críticos, programadores, curadores, archivistas y académicos que participan en la lista organizada por el British Film Institute. Admitámoslo, no hay una verdad absoluta sobre qué es mejor o peor en esto del séptimo arte pero, por lo menos, rankings como este nos ayudan a decidir qué películas ver este fin de semana o, por qué no, antes de morir.
Fue en 1952 cuando el equipo de Sight and Sound –la revista mensual de cine publicada por el British Film Institute– tuvo la brillante idea de pedir a los críticos que escogieran las mejores películas de todos los tiempos. La buena recepción de aquella primera lista pronto la convirtió en tradición cada 10 años, y aumentó en volumen y prestigio a medida que pasaban las décadas. La encuesta de Sight and Sound es ahora un importante indicador de la opinión crítica sobre el cine y la edición de 2022 –la octava y la última hasta 2032– es la más grande de la historia.
La última lista de las mejores películas de la historia del cine, publicada en 2022, marcó un momento decisivo para la organización en particular y para el cine en general, ya que era la primera vez –por increíble que parezca– que la película ganadora estaba dirigida por una mujer: ‘Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles’ (1975), la mejor película de la historia para más de 1.500 críticos no la ha visto casi nadie, dirigida por Chantal Akerman. Para saber cuáles son las mejores películas recientes del último siglo, filtramos la lista y recopilamos las cintas más votadas del siglo XXI. Eso sí, antes de llegar al top 10, cabe destacar que producciones como 'Pozos de ambición' (P. T. Anderson, 2007), 'La ciénaga' (L. Martel, 2001), 'Twin Peaks: The Return' (D. Lynch, 2017) o 'Al oeste de los raíles' (W. Bing, 2002) se quedan a pocos metros del podio.
10. 'Good Bye, Dragon Inn' (Tsai Ming-liang, 2003)
Para el director Apichatpong Weerasethakul, que también tiene un espacio propio en este top 10, el mítico título de Tsai Ming Liang es "la mejor película de los últimos 125 años". 'Good Bye, Dragon Inn' tuvo su estreno mundial en el Festival de Venecia, donde obtuvo el premio FIPRESCI, además de la nominación al León de Oro. En ella, el cineasta malayo –nacionalidad a la que suma raíces taiwanesas, tras mudarse allí– sitúa al espectador en la última función de un viejo cine antes de su cierre por tiempo indefinido. Es allí donde unos pocos asistentes, perdidos entre las butacas, ven 'Dragon Inn', una película realizada en 1967 por King Hu.
A medida que se proyecta la película, las vidas de los diversos empleados y clientes del teatro se cruzan, y dos actores fantasmales llegan para lamentar el fin de una era. Lee Kang-sheng, Chen Shiang-chyi, Kiyonobu Mitamura y Yang Kuei-mei encabezan el reparto de una producción que rinde homenaje a los cine de antes y que está cargado de nostalgia. Tsai Ming Liang, uno de los directores más célebres de la Segunda Ola de directores de cine taiwanés, dirigiría un par de años más tarde 'El sabor de la sandía', candidata al Oso de Oro en Berlín y ganadora del Oso de Plata para Lee Kang-sheng, actor fetiche del cineasta.
'Good Bye, Dragon Inn' no está disponible en ninguna plataforma de streaming.
9. 'Tropical Malady' (Apichatpong Weerasethakul, 2004)
El amor es una enfermedad sin cura, de ahí la traducción de "tropical malady" como enfermedad tropical. Después de estrenar y afianzarse como cineasta con 'Blissfully Yours' en 2002, Apichatpong Weerasethakul se adentró en la naturaleza animal del sexo y el amor. 'Tropical Malady' es su tercer largometraje en solitario, que narra la apasionada relación entre dos hombres y sus inusuales consecuencias cuando el mundo real y el de los espíritus entran en contacto. La película –que, para muchos, funciona como un díptico– está dividida en dos partes. La primera de ellas retrata su atracción inicial en un campo soleado y relajante, mientras que la segunda mitad desvela la confusión y el terror de una amenaza desconocida que acecha entre las sombras de la jungla.
"Cuando te di la cinta de The Clash, me olvidé de darte mi corazón. Puedes tenerlo hoy", dice en un momento uno de los personajes. La película nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2004 logró alzarse con el Premio del Jurado, que no dudó en aplaudir esta meditación sobre la naturaleza humana, la violencia y la sexualidad. Los últimos quince minutos de 'Tropical Malady' rozan la experiencia espiritual, algo que Apichatpong acertó en repetir años más tarde con 'El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas', Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2010, entre otros reconocimientos.
'Tropical Malady' no está disponible en ninguna plataforma de streaming.
8. 'Déjame salir' (Jordan Peele, 2017)
Jordan Peele debutó como director en la película de terror más exitosa de los últimos años, nominada a cuatro Premios Oscar –incluidos Mejor Película, Director y Actor– de los cuales ganó uno a Mejor Guion para el libreto escrito por el cineasta. La historia de Chris, un joven afroamericano, comienza cuando visita la finca de la familia adinerada de su novia blanca. Al principio, se sorprende del carácter amable de sus suegros, pero a medida que avanza el fin de semana, una serie de inquietantes descubrimientos le llevan a conocer una realidad que nunca habría imaginado.
"Por si alguien lo dudaba", escribe Jordi Costa en nuestra crítica, "el género más capacitado para descifrar nuestra realidad no es la comedia romántica, sino, de nuevo, como en los años de incubación del Huevo de la Serpiente, el terror". Actores como Daniel Kaluuya –que catapultó su carrera con este papel– o Allison Williams encabezan el reparto de un film lleno de referencias cinéfilas y muy pegado a la realidad política de Estados Unidos, que costó poco más de cuatro millones de euros y recaudó, sólo en Estados Unidos, más de 176. "Algunos críticos han definido mi película como 'Los padres de ella' en clave terrorífica. Bueno, yo trabajé como actor en la peor de la trilogía, 'Ahora los padres son ellos' (2010), y esa sí que daba miedo de verdad", contó Jordan Peele sobre cómo reinventar el terror en una entrevista con FOTOGRAMAS.
'Déjame salir' está disponible en el catálogo de Netflix.
7. 'Parásitos' (Bong Joon-ho, 2019)
¿Puede ser el final de 'Parásitos' uno de los mejores finales de la historia del cine? Evidentemente. La primera película de Corea del Sur que obtuvo la Palma de Oro en Cannes con el voto unánime del jurado también resultó ganadora de cuatro Premios Oscar, en una ceremonia donde consiguió ser también la primera película de habla no inglesa en ganar el Oscar a Mejor Película. Su director, Bong Joon-ho, acertó en orquestar un thriller que ya se ha convertido en una de las mejores películas coreanas de la historia, que tiene como base una cruda representación de la diferencia de clases.
En esta historia, tanto Gi Taek (Song Kang Ho) como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo (Choi Woo Shik), empieza a dar clases particulares en casa de Park (Lee Sun Gyun), las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles. Como escribe Sergi Sánchez en nuestra crítica de 'Parásitos', "este mundo está en guerra, aunque quiera aparentar que la lucha de clases pertenece a otra época. Es difícil encontrar una película reciente que defina de forma tan visual, a través de la arquitectura doméstica, los perversos mecanismos de dominación del capitalismo neoliberal. La fluidez con que Bong Joon-ho deriva de la comedia al thriller, incluso al cine de terror, sin que se le rompan las uñas, es sorprendente".
'Parásitos' está disponible en los catálogos de Prime Video, Movistar Plus+ y Filmin.
6. 'El viaje de Chihiro' (Hayao Miyazaki, 2001)
'El viaje de Chihiro' se cuenta entre una de las grandes joyas del Studio Ghibli. La película le valió a Hayao Miyazaki su primer y único Oscar de la Academia de Hollywood a Mejor Película de Animación, y en poco tiempo se ha convertido en una de las películas imprescindibles de nuestro siglo. En ella, el japonés retrata los miedos de la adolescencia y la confusión del paso a la edad adulta a través de un mundo de fantasía donde hay tanto espacio para la esperanza como para la crueldad. Entre brujas que se convierten en cuervos, muchachos que se convierten en dragones y un nombre olvidado que debe recuperar, la heroína de esta historia deberá encontrarse a sí misma para poder salvar a sus padres.
Según escribe Jordi Costa en nuestra crítica, "difícilmente podría concebirse mejor broche de oro para una de las carreras más intachables y espectaculares de la animación contemporánea. En 'El viaje de Chihiro' confluyen todos los Miyazaki posibles: el intimista, el lúdico, el épico, el colosalista; para ofrecer una lección magistral (e ilustrada) sobre una de las direcciones posibles del cine: el séptimo arte como máquina para crear mundos posibles (e imposibles), motor de alucinación y poesía, un vehículo tan eficaz para el viaje fantástico como ese dragón feroz y agonizante que conduce a Chihiro a través de los cielos de la más fértil locura..."
'El viaje de Chihiro' está disponible en el catálogo de Netflix.
5. 'Los espigadores y la espigadora' (Agnès Varda, 2000)
La gran voz femenina de la nouvelle vague fue también una de las pioneras del cine hecho por mujeres y feminista del siglo XX. Conocida por cintas como 'La Pointe courte' (1955) o 'Cléo de 5 à 7' (1962), Agnès Varda atesoró entre sus premios un León de Oro, un Oso de Plata y un Premio Donostia. Fue a principios del nuevo siglo cuando la realizadora estrenó uno de sus documentales más celebrados, que posa la mirada en los llamados "espigadores", personas que viven de la recuperación y recolección de objetos que los demás no quieren o simplemente dejan atrás. A su manera, ella también se convierte en una especie de espigadora, que selecciona y recoge imágenes aquí y allá para elaborar este retrato.
Diez años después de la muerte de su inseparable compañero de vida, el también cineasta Jacques Demi, la realizadora traza un viaje lleno de nostalgia experimentado por primera vez con la cámara digital. Esta fue una de las muchas películas de observación que Varda realizó en las últimas décadas de su carrera, todas ellas relacionadas con los recuerdos y la reflexión. Según admitía en entrevistas de la época, había comenzado a tener problemas con la memoria, por lo que intentó documentar así sus recuerdos.
Desde los rincones olvidados de la campiña francesa hasta los mercados verdes de París, Varda sigue a quienes insisten en encontrar un uso para aquello que la sociedad ha desechado, ya sea por necesidad o por activismo. La brillantez de esta película reside en el amor puro y sin adulteraciones que tiene Varda por las personas y sus trivialidades, esas pequeñas partes de la vida que normalmente se pasan por alto. Después de ver esta cinta, la única esperanza que nos queda es llegar a ser tan felices como ella coleccionando patatas con forma de corazón.
'Los espigadores y la espigadora' está disponible en acontra+, plataforma a la que puedes acceder también a través de Prime Video.
4. 'Moonlight' (Barry Jenkins, 2016)
Nunca una pregunta tan sencilla como "¿Quién eres?" había tenido esa resonancia en una película. La cinta de Barry Jenkins –también director de 'El blues de Beale Street' (2018) y que dentro de poco estrenará 'Mufasa: el rey león'– protagonizó el mayor 'desliz' de la historia de los Oscar, cuando Faye Dunaway y Warren Beatty anunciaron erróneamente a 'La La Land' (D. Chazelle, 2016) como ganadora a Mejor Película en vez de lo que realmente ponía en el sobre: 'Moonlight'. Un coming-of-age que supone un magistral relato sobre la búsqueda y aceptación de nuestra identidad.
La sensible y desgarradora lucha de un joven por encontrarse a sí mismo, contada a lo largo de tres capítulos decisivos de su vida mientras experimenta el éxtasis, el dolor y la belleza de enamorarse, mientras lucha con su propia sexualidad, enamoró a crítica y público con uno de los primeros grandes éxitos de la productora A24. El Miami de los años 80 es escenario de temas como el racismo, la masculinidad y la represión sexual, indisolubles de la vulnerabilidad de un personaje dividido en tres actos: niñez, adolescencia y madurez. Como escribe Antonio Trashorras en nuestra crítica de 'Moonlight', "la originalidad nunca radica en el fondo, sino en la forma. Es una de esas raras piezas de sabor único, belleza quebradiza y carácter renuente a la generalización".
'Moonlight' está disponible para compra y alquiler en Prime Video.
3. 'Retrato de una mujer en llamas' (Céline Sciamma, 2019)
En una isla remota de Bretaña, una pintora se ve obligada a pintar el retrato de boda de una joven que acaba de dejar el convento y que tiene serias dudas respecto a su próximo matrimonio. Como debe retratarla sin que ella lo sepa, se dedica a investigarla a diario. Este es el punto de partida de 'Retrato de una mujer en llamas' o el amor entre dos mujeres en la Francia del siglo XVIII. La cinta ganadora de Mejor Guion en el Festival de Cannes y de la Palma Queer –el primer largo dirigido por una mujer en alzarse con el galardón– fue también seleccionada para competir por la Palma de Oro. La directora de las sensibilísimas 'Tomboy' (2011) y 'Petite Maman' (2021) contó con Adèle Haenel y Noémie Merlant para protagonizar este drama romántico de época.
"La película habla de la invención del amor en una época en la que las mujeres existían solo para ser miradas, deseadas o despreciadas por hombres. La ausencia de lo masculino, junto a un tono que oscila entre el cuento gótico y el romántico, hace que el proceso amoroso del que somos testigos sea a la vez enigmático y sensual, pero lo más hermoso del film es saber representar cómo recordaremos ese enamoramiento, cómo lo convertiremos en memoria pura que ninguna convención social será capaz de robarnos", escribía Sergi Sánchez en nuestra crítica de 'Retrato de una mujer en llamas'.
'Retrato de una mujer en llamas' está disponible en Prime Video, Movistar Plus+ y Filmin.
2. 'Mulholland Drive' (David Lynch, 2001)
Todos los caminos llevan a Mulholland Drive. Esta carretera ubicada en Los Angeles, California, es una de las más transitadas del país y donde muchas estrellas han llegado a construir su hogar. Entre ellas, Jack Nicholson, Madonna, Marlon Brando, Warren Beatty... y David Lynch. El cineasta estadounidense, genio enloquecido –en el buen sentido, claro– y eterno soñador, convirtió lo que en principio iba a ser un episodio piloto en un thriller psicológico, valedor de la nominación al Oscar a Mejor Director, y ganador de esa misma categoría en Cannes.
Naomi Watts y Laura Elena Harring protagonizan la película de culto que David Lynch, uno de los creadores más importantes de nuestro tiempo, dirigió después de 'Carretera perdida' (1997) y 'Una historia verdadera' (1999). Lynch, faro de creatividad incansable y una de las personalidades más queridas y comprometidas con el arte de Hollywood, hizo de 'Mulholland Drive' su propio 'Sunset Boulevard' (B. Wilder, 1950) al retratar las cruda realidad de Hollywood y sus fachadas. La cinta se resume en una historia de amor en Hollywood, la ciudad de los sueños. Es allí donde llega Betty Elms para convertirse en estrella de cine cuando conoce a una enigmática mujer con amnesia.
La gemela malvada de 'La La Land' dejó sin palabras a crítica y público, convencidos de que "el film, en su indescriptible clímax final, rompe concatenaciones temporales, identidades, asideros y percepciones lineales, logrando que todos los elementos de su sinfonía rimen y que no haya cabo suelto", como reza Jordi Costa en nuestra crítica. Escenas tan hipnotizantes como la del Club Silencio –lugar que, para muchos, forma parte de la Habitación Roja de 'Twin Peaks'– nos han llevado a enamorarnos de una película que no solo sueña por sí sola, sino que también nos invita a dejarnos llevar por sus encantos lisérgicos. No trates de entenderla: disfrútala.
'Mulholland Drive' está disponible en los catálogos de Prime Video y Movistar Plus+.
1. 'Deseando amar' (Wong Kar-wai, 2001)
Tras las inolvidables y revolucionarias ‘Fallen Angels’ (1995) y ‘Chungking Express’ (1994), Wong Kar-wai volvió a engatusarnos con un laberinto de secretos amorosos que funciona como una oda al fracaso. La clara ganadora de esta lista y, por tanto, la película del siglo XXI más votada por los críticos del British Film Institute, es 'In the mood for love', en su título inglés. Los secretos de la obra maestra de Wong Kar-wai los desvelamos en nuestro especial por 20 años de ‘Deseando amar’, el (no) amor más grande de la historia del cine. Tras su estreno en el Festival Internacional de Cine de Cannes del año 2000 —donde estuvo nominada a la Palma de Oro y que premió a Tony Leung con el reconocimiento al mejor actor— la cinta recibió otros premios como el César a la mejor película extranjera.
La historia se sitúa en el Hong Kong de 1962. Es allí donde Chow (Tony Leung), redactor jefe de un diario local, se traslada junto a su esposa a una nueva vivienda. Enseguida conoce a Li-Zhen (Maggie Cheung), una atractiva mujer que se ha mudado con su marido al mismo edificio. Al pasar cada vez más tiempo juntos, entre ambos nace una gran amistad, que los ayudará a enfrentarse a una triste realidad: sus respectivos cónyuges mantienen una relación sentimental que ellos desconocían. Las imágenes pintadas de color granulado, desteñidas en ocasiones por la lluvia bajo la que se abrazan los personajes, se hacen eco de temas tan inolvidables como 'Quizás' o 'Aquellos ojos verdes', ambos de Nat King Cole. Resulta que ‘Deseando amar’ es tan ambigua que es capaz de contar el amor más grande de dos intensas vidas y dejar claro que, quizás, nada ocurrió en realidad.
'Deseando amar' está disponible en los catálogos de Movistar Plus+ y Filmin.
Atrapada entre la música y el cine, desde Vigo llegó a Madrid para estudiar Periodismo y Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III. Cuenta la leyenda que prefería saltarse clases para ir a algún estreno aunque, si se lo preguntas, lo negará.
Llegó a la redacción de Fotogramas como becaria en prácticas, después de adentrarse en el periodismo musical y de cine colaborando en medios como la revista Milana. Ha entrevistado a personalidades como Jonás Trueba o Irene Escolar y su bien más preciado es una púa de guitarra. Vive enamorada de Phoebe Waller-Bridge y Nora Ephron. Si no la encuentras, es que estará viendo alguna película de Kurosawa. Da igual cuándo leas esto.
