Las películas más importantes de la historia de Hollywood

Cuesta saber que fue antes, el cine americano o el western. Quizás la respuesta sea, simplemente, que son sinónimos. Esta película fundacional del género cinematográfico por excelencia sigue siendo tan mítica como ese plano, a veces el primero y otras el último, en el que el bandido (Broncho Billy Anderson) disparaba directamente a cámara.

Aunque suena raro decirlo tras más de cien años, si a Griffith se le conoce como el padre del cine moderno es por su enorme capacidad para reunir todas las herramientas, creadas entre muchos, en obras cuya narrativa no tenía nada que envidiar a las actuales. Lástima que ese uso de primeros planos, de falsas panorámicas y su tenso uso del montaje paralelo sirviese para crear una película racista que contribuyó al resurgir del KKK. Tampoco podemos olvidar ‘Intolerancia’, un fracaso de taquilla mejor que su predecesora y pionera de las películas por episodios.

Dicen que al gran cineasta alemán solo le encargaron dirigir una película en los estudios de la Fox para poner a todos los demás directores a espiarle, a ver si descubrían cómo narices creaba esas atmósferas con su cámara, eso que hemos acabado llamando expresionismo alemán. En el año de la prematura muerte del cine mudo y de los primeros Oscars, la mejor película fue esta historia de amor con una enorme Janet Gaynor y cuyo principio a la luz de la luna nos sigue dejando tan boquiabiertos como debió dejar a todos aquellos que espiaban a Murnau desde las cornisas del estudio.

Olvidable cinta que, además, provocó una brusca muerte del cine mudo en favor del sonoro. El séptimo arte tardó más de una década, casi dos, en contar con la tecnología para mover la cámara y crear imágenes del nivel del cine mudo, pero es ley de vida. La cinta sirvió para el lucimiento de Al Jolson. Obviando su “blackface”, le tenemos que aplaudir por una cosa… El nacimiento del cine musical.

Muchos sitúan en ‘Los mosqueteros de Pig Alley’, obra de Griffith de 1912, el nacimiento del cine de gangsters. Sin embargo, de las bases de este subgénero criminal fundamental en el cine americano (que reinó, sobre todo, en los años 30) tiene mucha culpa esta cinta. Una irrupción brutal y modélica en torno al auge y caída de un criminal complejo, humano y corrompido. Al contrario que con ‘Scarface, el terror del hampa (1932)’, Wellman no dudó, todavía en época pre Código Hays, en humanizar a su villano y compadecer a su familia. Además de enamorarnos de James Cagney, los créditos iniciales siguen siendo de los mejores de la historia del cine.

Aunque la representación en cine de personas con problemas físicos, enfermedades y demás variantes todavía no ha conseguido quitarse el estigma, esta temprana película de Browning partía del tópico de “monstruos” o “atracciones de feria” para darnos a todos una lección. Por supuesto, lo convirtió en un thriller, pero uno en el que los buenos siempre eran los diferentes, y los malvados y crueles que se burlaban de ellos, acaban recibiendo su merecido. En unas pantallas llenas de rostros perfectos y estrellas de mítico atractivo, el reparto protagonista de ‘Freaks’ es tan inolvidable como histórico.

Definitivamente, la gran película de aventuras de la historia del cine y más si teneos en cuenta que no tiene origen literario. Hablamos de un mito del séptimo arte que, pese a lo primitivo de los efectos especiales, sigue siendo la versión más apasionante y entretenida de la historia.

El primer largometraje de animación y, también, el primero totalmente en color (en acción real sería ‘Robin de los bosques’ en 1938, tras inventarse el Technicolor en ‘La feria de la vanidad’, en 1935). Cómo no reparar en este hito del cine infantil, las princesas, los besos, los príncipes y las canciones. Un fenómeno que explica, perfectamente, por qué en la actualidad no hay nadie más poderoso en el mundo del cine que Disney.

Probablemente nada superará jamás el impacto de ‘Lo que el viento se llevó’, el punto más álgido de éxito en el momento más dorado y triunfal de la historia del cine. Pese a que su enfoque racista y orgullosamente sureño le está provocando reproches merecidos últimamente, es tan evidente que esta cinta es legendaria como que Scarlett O’hara no volvió a pasar hambre.

Aunque en el cine mudo se contaban por decenas, el cine sonoro y el venenoso Código de censura Hays nos dejaron sin mujeres directoras. Solo una siguió trabajando desde el cine mudo hasta los años 40, donde ya tuvo otras ilustres compañeras como Ida Lupino. La gran Dorothy Arzner creó grandes y atrevidos retratos femeninos como ‘La mujer de cualquiera’, ‘Working Girls’ o ‘La loca orgía’. Con el código de censura en marcha se dedicó a subvertir los roles de género desde una perspectiva más discreta, pero igual de valiosa. Además de su aportación al género bélico desde la mirada femenina en ‘El valor es lo primero’, nos quedamos con esta cinta de excelso reparto femenino basada en el mundo de las coristas y bailarinas que, para muchos estudios feministas, es la obra de referencia de esta década.

John Huston debutó en la dirección para demostrar, con el tercer y al fin triunfal intento de adaptar la novela de Hammett, que el director importaba más que la historia. Orson Welles haría el resto ese mismo año y devolvería un poder a los cineastas que habían perdido con el final del cine mudo. La película sentaría, además, las bases de ese maravilloso subgénero que llamamos cine negro.

La entrada de Orson Welles fue, como todo lo que hizo en su vida, un auténtico terremoto. Su producción cabreó a todos y su recepción fue tímida y no ausente de polémicas, pero ni entonces se pudo obviar que el cine jamás sería lo mismo. Sus contrapicados e inventivos movimientos de cámara dieron una dimensión mucho más real y envolvente al espacio cinematográfico. Su atrevido uso de las elipsis temporales solo es comparable a su uso de la profundidad de campo, que permitió situar varias acciones en un mismo plano. Todo, sin nombrar su original estructura narrativa a raíz de la reconstrucción del misterioso “Rosebud”. Hasta entonces se consideraba que la cámara debía seguir la acción, Orson Welles demostró que podía crearla.

No podíamos hablar de historia del cine sin Hitchcock. Lo cierto es que el inglés no cesó de inventar y crear en todas sus películas, pero su mayor órdago estético nos lo regaló aquí, en donde fingió crear la cinta en un solo plano secuencia, pese al tiempo limitado de la cinta. Logró ocultar los cortes tapando la imagen con obstáculos o con los actores. Menos escondida estaba la relación homosexual de los protagonistas, algo muy habitual en el cine del maestro ingles.

Muchos en Hollywood pensaron que Billy Wilder había mordido la mano que le dio de comer, pero también estaba haciendo justicia con el cine mudo, con Gloria Swanson y con uno de sus maestros, Erich Von Stroheim. Además, para crear este drama sobre la crueldad de la industria, Wilder lo narró todo a través de su ya fallecido personaje protagonista.

La primera película en Cinemascope también es una de las pioneras de la corriente de superproducciones bíblicas que pobló el Hollywood de los años 50. Ambos, intentos de rivalizar con la creciente popularidad de la televisión. Digamos que, hasta ‘Ben-Hur’, lo consiguieron.

El debut tras la cámara de Cassavetes es el primer gran clásico del cine independiente americano, la primera piedra de eso que explotaría en los 90 con la creación del Festival de Sundance. Además, es la irrupción de un imprescindible y su cine desnudo, frontal hacia el actor. Todo lo contrario a lo que representaban películas como ‘Ben-Hur’, cine al que le quedaban los días contadas, y esta película es el vivo ejemplo.

La homosexualidad, prohibida por el Código Hays, siempre fue un tema latente. Lamentablemente, estaba adherido a los malos de la película o se dejaba intuir de forma muy disimulada. Sin embargo, en esta adaptación de Tennesse Williams (autor también de ‘La gata sobre el tejado de zinc’) el mal está en el lado contrario. Aunque tampoco se llega a decir claramente, la película trata sobre la madre que encarna Katharine Hepburn, que quiere que hagan la lobotomía al traumatizado personaje de Elisabeth Taylor para ocultar que ella fue testigo de que su hijo fallecido era homosexual.

Sidney Poitier se ganó a pulso durante los años 50 ser la primera estrella afroamericana de Hollywood. Tardó una década de papeles de alumno conflictivo o delincuente hasta llegar a desprenderse de tópicos. En esta cinta, en la que ayuda gratuitamente a un grupo de monjas en apuros económicos, ganó un histórico Oscar a Mejor Actor Principal. Siguió haciendo historia de la diversidad en pantalla con películas denuncia del racismo como ‘Adivina quién viene esta noche’, ‘En el calor de la noche’ o ‘Rebelión en las aulas’, las tres de 1967.

Puede que el género lo inventase la alemana ‘Nosferatu’ pero el terror moderno le debe casi todo a esta película de Romero, que le dio a nuestra cultura uno de sus grandes símbolos, los zombis. Lástima que hayamos olvidado todo lo que venían a criticar de nuestra sociedad.

Fueron muchas pero ninguna hizo más que el éxito hippie de Hopper por enterrar para siempre el caduco modelo del Hollywood clásico. El mundo había cambiado y a la meca del cine le costó algunos años pillarlo. Lo hizo a la fuerza y gran parte de culpa la tuvieron estos dos moteros y su violento y psicotrópico viaje.